Entretien avec Jason Arias, concepteur de couvertures de livres

Jason Arias nous emmène dans les coulisses de son parcours créatif, nous donnant un aperçu de l'inspiration derrière plusieurs de ses derniers projets qui ont re-imaginé le contenu de Bridgeman Images d'une manière nouvelle et inventive.

M. Arias nous dévoile les influences créatives à l'origine de certaines de ses couvertures de livres les plus populaires, telles que " Roman d'amour " et " Le livre de l'amour " : love Novel " et " The Physics of Sorrow ".

Q : Comment avez-vous commencé votre parcours pour devenir concepteur de couvertures ?

Le graphisme est ma troisième carrière, et mon parcours a donc été assez sinueux. J'ai commencé dans l'informatique, puis j'ai fait un détour pour aider mon père à gérer son entreprise de marbre et de granit. J'aimais certains aspects de son travail, mais j'avais envie de prendre un nouveau départ dans quelque chose qui me ressemble, alors je suis retourné à l'école pour étudier le design.

Mon approche en tant que designer a été fortement influencée par les études et le stage de Paul Sahre. Son encouragement à remettre en question une idée, associé à des camarades de classe qui repoussaient sans cesse les limites de leur art, a constitué un environnement d'apprentissage passionnant.

Mon expérience de stagiaire a été marquée par le même type d'énergie effervescente. Il y avait des stagiaires d'autres pays, un atelier de conception d'une semaine, une compétition de baby-foot - de nombreuses formes de construction de communautés autour d'une affinité partagée pour la conception graphique. Jusqu'alors, je n'avais jamais occupé un poste où l'environnement et le travail étaient amusants. Lorsque mon stage s'est terminé, j'ai ressenti une certaine inertie, comme si je venais de sauter d'un manège de fête foraine et que je devais me réhabituer à la gravité. J'étais désorientée par l'incertitude quant à la manière de trouver ce type de travail en tant que jeune diplômée, et j'ai donc laissé les nouvelles opportunités m'ouvrir la voie au fur et à mesure qu'elles se présentaient.

Quelques années plus tard, j'ai travaillé avec Oliver Munday. Il y avait un lien de parenté avec Paul, à la fois dans l'environnement et dans l'étendue du travail. Je considère Paul et Oliver comme des généralistes, en ce sens qu'ils peuvent concevoir n'importe quoi, mais avec l'habileté d'un spécialiste. C'est une chose que j'admire profondément et à laquelle j'aspire humblement. Ils donnent l'impression que cela se fait sans effort.

En travaillant avec eux, j'ai également réalisé que je préférais travailler en petites équipes avec des délais relativement courts. La conception de livres vous permet de plonger dans la vie ou le monde imaginaire d'un auteur, d'expérimenter la création d'images et de caractères, et généralement, en quelques semaines, vous terminez et passez à l'immersion suivante. C'est une façon amusante d'être continuellement exposé à de nouvelles idées et expériences de vie.

Après la fin de ces deux périodes de formation, il y a eu une certaine désorientation, comme je l'ai mentionné plus tôt, parce qu'il y avait l'expérience euphorique d'être vraiment engagé dans le travail et d'être encadré, mais les deux ont été de courte durée. Il y a eu un véritable sentiment de perte, ce qui peut sembler mélodramatique, mais c'est ainsi que je l'ai ressenti. Avec le recul, je me suis rendu compte de la chance que j'avais eue de vivre ces expériences si tôt dans ma carrière.

J'ai passé les sept années suivantes à occuper divers postes de conception éditoriale, d'illustration et de direction artistique, puis j'ai eu la révélation anticlimatique que si je voulais concevoir des couvertures de livres, je devais travailler en interne. J'ai été embauchée chez Simon & Schuster, où j'ai conçu des couvertures (pour trois éditions), des mécaniques pour les livres de la première et de la dernière liste, des réimpressions, des ARC, préparé des fichiers d'impression pour des finitions spéciales et participé à des présentations de conception avec toutes les parties prenantes. Ce fut une formation extrêmement précieuse dans tous les domaines de l'édition, qui m'a beaucoup appris sur mes limites et sur les domaines dans lesquels je devais progresser en tant que communicateur et concepteur.

Pendant la pandémie, je suis passé au freelancing, j'ai déménagé à Nashville, TN, et je réfléchis maintenant à ce que sera ma prochaine carrière alors que Big Tech impose l'IA à l'industrie créative. Je me concentre principalement sur les couvertures de livres et la décoration intérieure, mais j'apprécie les projets dans d'autres domaines lorsque c'est possible. J'adore la parfumerie et j'ai récemment suivi un atelier pour fabriquer un parfum personnalisé. C'était donc un rêve de relier ce hobby personnel à mon travail en concevant un journal pour l'Institut de l'art et de l'olfaction. J'espère trouver d'autres moyens de concevoir avec/pour les parfumeurs. Amateurs de senteurs, jetez un coup d'œil à Zoologist !

Q : Pouvez-vous nous parler de votre processus de création ?

J'utilise les jeux de mots pour lancer le processus de brainstorming, puis je rédige une liste d'idées viables en dehors du canevas dans InDesign. Je peux ainsi les ruminer pendant que je travaille sur les titres.

Je répète le titre dans ma tête encore et encore pendant la conception, jusqu'à ce que je n'y pense plus consciemment. C'est peut-être une façon de l'enfoncer dans le subconscient, où des éléments tangentiels peuvent alors faire surface et créer des idées ou des combinaisons inattendues.

Après avoir vu les styles typographiques que j'aime, j'ai une idée des combinaisons idée/type qui ont du potentiel, puis je fais une recherche ou une création d'images. Au début de la phase de combinaison de la typographie et de l'imagerie, je me bats souvent avec mes limites, mes idées initiales et mes capacités de création d'images. Dans ces tâtonnements, je finis parfois par trouver un accident ou une nouvelle perspective qui est plus intéressante que celle de départ. Mon processus commence donc généralement de manière pragmatique pour devenir ensuite plus expérimental. La perte de contrôle peut être frustrante, surtout lorsque les délais sont serrés, mais il est également agréable de s'immerger dans le processus et de se sentir conduit vers une nouvelle solution plutôt que d'avoir une idée préconçue et d'emprunter un chemin direct pour y parvenir.

Pour tous ceux qui s'intéressent à un processus créatif éprouvé, je recommande vivement le cours Domestika de John Gall. Il y partage sa méthode simple mais brillante pour aborder la conception de couvertures de manière pragmatique.

À propos de la couverture du "roman d'amour" :

J'ai reçu cette commande pour un roman d'environ 100 pages et j'ai été immédiatement intrigué. Il s'agit d'un couple marié qui entretient une relation virulente. L'homme est un spécialiste de Dante au chômage et la femme est une "actrice passable" Ils sont tous deux sous-employés, n'ont pas payé leur loyer et ont un nouveau-né. Toutes ces forces s'abattent sur eux et ils croulent sous la pression, se défoulant souvent l'un sur l'autre de leurs émotions non traitées. Le langage est si puissant et brutal. L'écriture d'Ivana est vraiment magistrale. J'ai lu le livre d'une traite.

La première image que j'ai eue, c'est celle de la lettre "O" dans "Love", comme un gouffre sombre ou une gueule béante de l'enfer, à cause du lien avec l'Enfer de Dante. Je m'accrochais à cette image tout en jouant avec une autre idée de contorsion comme métaphore visuelle d'un mariage douloureux. En cherchant sur Bridgeman, je suis tombée sur l'image d'un nœud coulant.

L'idée d'un nœud coulant en tandem m'est venue à l'esprit et m'a fait rire. J'ai donc essayé d'entrelacer deux cordes pour illustrer cette relation dysfonctionnelle avec un humour de potence. Le nœud coulant en tandem peut également être interprété comme un cœur à l'envers, ce qui semble être une image appropriée pour leur amour malformé. Comme pour l'écriture, j'ai aimé le caractère brutal de l'image, mais il y avait aussi une certaine poésie dans sa forme qui semblait complémentaire de l'art méticuleux mis en œuvre dans chaque phrase.

Poursuivant ma recherche d'images, j'ai trouvé une série peinte par Amos Nattini représentant la Divine Comédie. Il a peint des personnes complètement englouties dans les flammes. Ils sont si frappants. La juxtaposition d'un livre intitulé Roman d'amour et de ce type d'images m'a semblé assez drôle. Si vous pouvez faire abstraction de la brutalité de l'écriture, quelques lignes du livre m'ont fait rire à gorge déployée en raison de leur cruauté.

 

L'une des dernières images sur lesquelles je suis tombé a été choisie pour la direction finale, "La torture de Prométhée" J'adore l'expression de ce type. J'ai utilisé un gros plan de son visage pour que vous ne sachiez pas exactement pourquoi il crie, mais dans l'image complète, il est en train de se faire dévorer vivant par un aigle. C'est visuellement intéressant et c'est lié à cet extrait qui m'a marqué après la lecture :

"Les larmes ne venaient pas.

Pas une seule.

Ces choses-là arrivent : des femmes marchent un kilomètre entre des murs, perdent une nuit entière pour une connerie, y consacrent des efforts surhumains, et puis, au lieu de s'effondrer, de se rendre et de se reposer enfin, elles restent debout, comme si elles avaient avalé un balai ou s'étaient tout simplement transformées en pierre. Elles parviennent même à porter des vêtements propres. Les hommes, eux, s'effondrent tout de suite, se brisent comme du verre, ne servent plus à rien, mais ce n'est pas de leur faute, ils réagissent simplement avec honnêteté. Les hommes sont désorientés à la vue de ces lapins ridés, de ces animaux de compagnie et de ces ours en peluche qui sortent d'un manteau de maternité rouge et qui s'appellent eux-mêmes leurs enfants ; les hommes sont effrayés par l'idée d'une phase difficile, privée de sommeil, au cours de laquelle ils devront commencer à aimer ces enfants, ainsi que par la prise de conscience que le miracle de la naissance leur a échappé puisqu'ils n'y ont participé que techniquement, puisqu'ils n'ont éprouvé ni douleur ni souffrance - et c'est pourquoi ils reculent devant l'accusation de n'avoir rien compris, qu'ils ne comprennent rien du tout, ce qu'elle lui a dit plusieurs fois ce matin-là, et au lieu de réaliser que ce n'était qu'un symptôme de sautes d'humeur dramatiques pour lesquelles elle avait une justification médicale, il a pris tout cela au pied de la lettre, a sauté le débat, a sauté les étapes de la descente, et est parti sans un mot. Et tout cela pour lui démontrer, avec aigreur, qu'on n'avait pas besoin de lui car, en fin de compte, tous les manuels de puériculture affirmaient que l'enfant n'avait besoin que de sa mère, du sein et du lait ; tous les manuels de puériculture omettaient son rôle, bien qu'elle eût fait de son mieux pour lui attribuer le pire, à la maternité, quand on leur disait que l'enfant était trop faible pour téter, qu'il était né fatigué et apathique, qu'il n'avait pas l'instinct de survie - bref, que l'enfant tenait de lui.

C'est elle qui a posé le diagnostic."

Sur la pochette de "Your Absence Is Darkness" :

Il s'agit d'une saga multigénérationnelle et il y a toutes ces perspectives différentes des membres de la famille - chute amoureuse, chagrin d'amour, mort et beaucoup de chagrin. L'éditeur souhaitait un visuel "charmant et existentiel, agréablement fataliste, avec un cœur brisé en toute décontraction" Quelque chose qui signifierait "qu'il y a une fissure dans tout" Dans l'histoire, le paysage rural islandais est un personnage au même titre que les personnes elles-mêmes, et c'était donc mon point de départ.

Je me suis procuré une photo libre de droits d'un paysage hivernal scandinave et j'ai photoshopé un smiley exagéré en train de pleurer sur le flanc d'une montagne. L'éditeur a adoré et j'ai trouvé que c'était une approche créative et amusante, ce qui m'a beaucoup plu.

Quelques mois plus tard, nous avons découvert qu'un titre concurrent avait utilisé exactement la même photo et qu'il était sur le point d'être publié en même temps. Je n'arrivais pas à y croire et j'ai eu le cœur un peu brisé de devoir mettre ce projet au rebut. C'était une bonne leçon sur la nature capricieuse du travail avec des photos gratuites. Même si j'ai considérablement modifié l'image, nous ne pouvions toujours pas l'utiliser.

À ce moment-là, nous étions pressés par le temps et j'ai donc contacté Bridgeman pour demander l'aide de l'équipe de recherche. J'ai rapidement reçu une galerie phénoménale qui m'a donné une longueur d'avance pour la refonte.

L'éditeur souhaitait toujours incorporer un paysage islandais et l'équipe de recherche m'a fourni de nombreuses images.

Pour la conception finale, l'éditeur a opté pour une peinture contemporaine de Richard Harrison. Il s'agit d'une œuvre saisissante qui projette le paysage émotionnel complexe et intérieur de l'amour et de la perte sur le paysage physique qui fait partie intégrante de tous ces récits. La peinture représente l'environnement hivernal d'une manière à la fois douce, malléable et froide, stoïque, ce qui, je pense, capture le cycle du deuil où l'on se fond dans la vulnérabilité et où l'on se fige dans la solitude et vice-versa.

À propos de la couverture de " Time Shelter " et de " The Physics of Sorrow " :

Il s'agit en quelque sorte d'une série de couvertures, car l'auteur, Georgi Gospodinov, a remporté le prix Man Booker l'année dernière pour Time Shelter et Liveright souhaitait rééditer ces deux livres avec un aspect cohérent.

J'ai conçu la version reliée de Time Shelter, je connaissais donc déjà l'histoire. Au départ, l'idée était d'avoir un traitement typographique vraiment distinctif et d'incorporer des aspects, soit dans la typographie elle-même, soit dans les bordures, qui incorporent une partie de l'héritage bulgare de l'auteur.

J'ai adapté certains motifs de broderie bulgare traditionnelle pour en faire des bordures encadrant les illustrations originales. Nous avons bien avancé dans le processus et je pensais que c'était là que ça allait finir, mais j'ai appris plus tard que l'auteur voulait quelque chose de plus moderne, de plus abstrait, et qu'il avait spécifiquement demandé des œuvres d'art ou des photographies pour la conception de la couverture.

À ce stade, nous étions très proches de la date limite de dépôt et je devais tout recommencer. J'ai donc envoyé un SOS aux chercheurs de Bridgeman. C'est un autre exemple où votre équipe a trouvé des images que je n'aurais jamais trouvées par moi-même, surtout dans un délai aussi serré. L 'illustration finale de The Physics of Sorrow s'intègre parfaitement à l'histoire. Les labyrinthes constituent une part importante de la structure narrative et cette image était parfaite pour cela.

Pour la couverture de Time Shelter, j'ai travaillé avec des œuvres de différents artistes et j'avais besoin que les images fonctionnent ensemble de manière cohérente, tout en s'alignant sur la couverture de The Physics of Sorrow (La physique de la tristesse). J'ai collé une illustration de myosotis, une peinture d'un homme volant et une peinture d'un chapeau melon. Étant donné que Bridgeman permet aux concepteurs de modifier les images, la licence artistique dont vous disposez est totalement illimitée. Ce projet n'aurait pas fonctionné sans cela.

Heureusement, l'auteur était très satisfait et j'ai reçu l'approbation finale sans perdre de temps. Il s'agit de l'une de mes couvertures préférées à ce jour, et je suis donc reconnaissant à Bridgeman de m'avoir aidé à franchir la ligne d'arrivée.